Shakey Jake Harris - Good Times (1960)

Shakey Jake Harris fue un cantante, armonicista y compositor de Chicago Blues. Harris lanzó cinco álbumes en un período de casi 25 años, y fue a menudo musicalmente asociado con su sobrino, Magic Sam.

James D. Harris nació en Earle, Arkansas, pero se trasladó con su familia a Chicago, Illinois, a la edad de siete años. Tío del gran guitarrista Magic Sam, tocó en varios clubes de blues de Chicago durante la década de 1940. También trabajó como mecánico. Su debut discográfico no se realizó hasta el año 1958. 

Su simple: "Call Me If You Need Me" y "Roll Your Moneymaker", fue lanzado por Artistic Records; contó con Magic Sam y Syl Johnson en las guitarras y fue producido por Willie Dixon. Harris no cobró por la sesión, pero ganó 700 dólares jugando a los dados con Eli Toscano, propietario del sello discográfico. 

En 1960, Bluesville records unieron a Harris con los músicos de jazz Jack McDuff y Bill Jennings, para el álbum de Good Times. Su grabación más tarde de su arpa de boca volvió al blues más tradicional. Harris empezó hacer giras y fue parte de la American Folk Blues Festival en 1962.

A lo largo de la década de 1960 Harris y Sam aparecieron regularmente juntos en conciertos alrededor de Chicago, y el patrocinio de Harris a los músicos más jóvenes ayudaron a asegurar a Luther Allison su debut discográfico. Harris se trasladó a finales de 1960, y grabó con Allison en Los Angeles "Beyond the road". Él también toco con otros músicos de la armónica, como William Clarke.

Posteriormente Harris había grabado para Pacific World. Fue dueño de su propio club nocturno y un sello discográfico, pero se vio obligado a regresar por su mala salud definitivamente a Arkansas, donde murió, a la edad de 68 años, en marzo de 1990.

Eric Steckel Band - High Action (2004)

Eric Steckel, originario de Pennsylvania, era un niño con un sentimiento especial y una capacidad natural para tocar la guitarra fuera de lo normal. La música ha formado la vida de Eric desde el día en que nació. A medida que aprendía a caminar, sus primeros pasos fueron en el reproductor de cassette, donde sus favoritos eran los Allman Brothers y Stevie Ray Vaughan. Tuvo su primera guitarra, una Fender Stratocaster a la edad de nueve años. 

Eric enseguida destacó en el ambiente musical por su calidad ya que combina una gran variedad de influencias y ofrece un estilo con una intensidad y habilidad que desmiente su juventud y que recuerda a sus grandes ídolos, Vaughn, Hendrix, Freddie, Albert King y BB King, y que como a ellos la inspiración real le viene del corazón y del Blues.

En 2003 el "ESB" apareció en el Festival de Blues de Sarasota donde el poderoso conjunto de Eric se convirtió en la charla del día. Antes que terminara la noche Eric fue introducido por John Mayall como el guitarrista más joven jamás en el escenario con los Bluesbreakers. Eric dejo una impresión duradera en Mayall y en 2004 Eric apareció en Suecia, Noruega y Dinamarca con John Mayall y The Bluesbreakers durante su gira por Escandinavia.

El verano de 2007 marcó otro hito como el Eric Steckel Band, toco en varios festivales de música americana y obtuvo buenas críticas y nuevos fans durante los recorridos en Holanda, Alemania, Bélgica e Italia. La gira de Italia se destacó por una actuación de escenario principal en el legendario Festival de Blues de Pistoia, donde Eric comparte el proyecto de ley de prime-time con John Mayall y Gregg Allman. Eric Steckel va hacer mucho ruido en la música Blues.

Luther "Guitar" Junior Johnson and The Magic Rockers - Slammin' On The West Side (1996)

Luther Johnson nació en Mississippi, Estados Unidos, es un cantante y guitarrista del blues de Chicago, y que actúa bajo el nombre de Luther "Guitar Junior" Johnson.

Luther "Guitar Junior" Johnson es uno de los artistas de blues de primera linea de la escena musical de Chicago. Johnson llegó con su familia a Chicago a mediados de los años cincuenta siendo a un muy joven, aproximadamente al mismo tiempo que el estilo de guitarra West Side, una forma de tocar alternando una picadura de una sola nota y con potentes acordes distorsionados, el estilo se estaba creando en su mayoría por Magic Sam y Otis Rush. Este estilo se convirtió en una importante contribución al blues moderno y al rock, influyendo notablemente como a Eric Clapton y Mark Knopfler.  

Johnson se mudó a Chicago con su familia en 1955. Durante la década de 1960, actuó con Magic Sam. Johnson también trabajo para la banda de Muddy Water desde 1972 hasta 1980. Johnson se sirvió de un largo aprendizaje tanto con Magic Sam y Muddy Waters, y le convirtió en un buen desempeño en su propio derecho. 

Johnson se trasladó a la costa este y comenzó al frente de su propia banda, los Rockers de Magic. Hoy en dia Luther es ampliamente considerado como el principal defensor de la guitarra del estilo West Side, y el heredero del West Side del difunto Magic Sam.

En 1980, cuatro de sus canciones fueron incluidas en una antología por Alligator Records. Johnson ganó un Premio Grammy en 1985, por mejor álbum de blues tradicional por su participación en Blues Explosión.

Sonny Boy Williamson II - Little Boy Blue (1960)

Aleck Ford (más tarde, Rice Miller), conocido como Sonny Boy Williamson II, fue un poeta, músico, cantante y compositor estadounidense, que ha sido considerado como la última leyenda del blues.

No debe ser confundido con John Lee Williamson (1914-1948), conocido como Sonny Boy Williamson I.


Aleck Ford nació en la plantación de Sara Jones cerca de Glendora en Tallahatchie County, Mississippi. Parece ser que su fecha de nacimiento es dudosa, pues aunque él afirmó haber nacido el 5 de diciembre de 1899, un investigador, David Evans, afirma haber encontrado pruebas en el censo de registro de que nació alrededor de 1912. Sin embargo, en la lápida de Miller aparece como fecha de su nacimiento el 11 de marzo de 1908.

Vivió y trabajó con el aparcero Jim Miller, su padrastro, de quien adoptó su apellido, y con su madre, Millie Ford, hasta principios del decenio de 1930. A partir de la década de 1930, viajó alrededor de Mississippi y Arkansas, trabajando con grandes artistas como Big Joe Williams, Elmore James y Robert Lockwood Jr. Durante este período también se asoció con Robert Johnson. Miller desarrollaría su estilo y personalidad durante estos años.

En 1941 Miller fue contratado para actuar en el espectáculo King Biscuit Time, la publicidad de una marca de galletas en la estación de radio en KFFA en Helena con Lockwood. Fue en este momento que el productor del programa de radio, Max Moore, comenzó a denominar a Miller como Sonny Boy Williamson, al parecer en un intento de capitalizar la fama del conocido cantante e intérprete de armónica en Chicago, John Lee Williamson, con el mismo nombre artístico.

Trabajó al lado de artistas de la categoría de Muddy Waters, The Band, Willie Dixon, Jimmy Rogers y Otis Spann. A comienzo de los años sesenta permaneció algún tiempo en Inglaterra, donde grabó con numerosos grupos y artistas, como The Animals y Jimmy Page.

Champion Jack Dupree - His Blues Band & Mickey Baker (1967)

William Thomas "Champion Jack" Dupree fue un músico estadounidense de blues y boogie-woogie, pianista y cantante, y que había sido en su juventud boxeador.

Dupree fue un bluesmen de la zona de Nueva Orleans y con estilo de pianista de boogie-woogie. Su padre era del Congo Belga y, su madre fue afroamericana y Cherokee.

Comenzó una vida de viajes, viviendo en Chicago, donde trabajó con Georgia Tom y, en Indianápolis, Indiana, donde se reunió con Scrapper Blackwell y Leroy Carr. También trabajó como cocinero. En Detroit, después de que Joe Louis le animara a convertirse en un boxeador, Dupree se lo tomo a conciencia y peleó en 107 combates, ganando los "Guantes de Oro" y otros campeonatos...recogiendo el apodo Champion Jack, el que utilizó para el resto de su vida.

Champion Jack Dupree es uno de esos músicos no demasiado conocidos pero con una importancia extraordinaria no sólo por sus composiciones y discos, sino por haber contribuido a que el piano sea un instrumento indispensable en muchos estilos del blues moderno.

Activo como músico durante más de sesenta años, su biografía, desde su nacimiento en el Nueva Orleáns de principio de siglo hasta su muerte en Europa a finales del mismo, supone una incidencia en todos aquellos momentos decisivos que tuvieron lugar en un largo e importante periodo de la historia del blues.  

Además fue un hombre vinculado a su tiempo al que atrajeron y practicó actividades tan dispersas como el boxeo o las artes plásticas y fue pionero en componer canciones que criticaban abiertamente temas como la segregación racial, las drogas o la política exterior de algún presidente. 

Trabajó con muchos de los grandes, incluyendo nombres de leyenda como con Tampa Red, Scrapper Blackwell y Leroy Carr, y fue protagonista del inicio de la carrera de jóvenes como John Mayall, Eric Clapton, Mick Taylor, TS Mc Phee y Alexis Korner en Inglaterra y otros muchos músicos en Francia, Alemania, Suiza y los países nórdicos..

Hacía el final de su vida sería re-descubierto en USA y cosecharía algunos triunfos en su propia casa y algunos éxitos póstumos. Aunque su figura, sonriente, con un cigarro en los labios e inevitablemente sentado al piano, es ya frecuente en cualquier tratado sobre el género, todavía falta mucho para que se rinda un merecido tributo a la importancia de su música y la grandeza de su persona como tantos otros.

Larry McCray - Live On Interstate 75 (2006)

Larry McCray es un guitarrista y cantante estadounidense de blues. McCray es el segundo más joven de nueve hermanos y creció viviendo en una granja. Aprendió a tocar la guitarra de su hermana Clara, "Ella solía tocar de verdad el bajo", recordó años más tarde McCray. 

Su familia se trasladó a Saginaw, Michigan, en 1972, tuvo la influencia de su hermano, y de los tres reyes del blues (B.B., Freddie y Albert King), a tocar por el circuito de los clubes locales con sus hermanos Carl en el bajo y Steve en la batería.

Después de la secundaria, McCray trabajó en la cadena de montaje de General Motors, antes de su primera grabación, su debut en 1991 con el álbum "Ambition" fue en Detroit por el sello discográfico Point Blank Records, que fue grabado en el sótano y estudio de un amigo. En 1993 lanzaría el disco "Delta Hurricane", que fue producido por el veterano músico británico de blues, Mike Vernon. 

En el 2000, McCray fundó su propio sello discográfico independiente, Magnolia Records. Magnolia publicó su primer disco en vivo "Live on Interstate 75" a mediados del 2006, y esto fue seguido en 2007 por el disco "Larry McCray". Su gira más reciente comenzó en el King Biscuit Blues Festival en Helena-West, en Helena, Arkansas, el 11 de octubre del 2015, donde Larry fue honrado con el premio "Sunshine" Sonny Payne a la excelencia en los blues.

Su trabajo de guitarra es igualmente auténtico, no hay frases llamativas o extravagantes riffs, solo líneas de percusión, el apoyo enérgico de su voz, y un disco de blues contemporáneo casi tan poderoso como el material de su debut aclamado por la crítica.

Este músico de una gran excelencia escénica y un enorme talento interpretativo nos proporciona
un disco intenso grabado en vivo durante su gira, junto a Greg Allman y la Dickey Betts Band.

Este cantante y compositor pertenece a la nueva generación de músicos de rock-blues contemporáneo, con su toque mágico de la Gibson nos conmueve escucharlo a lo largo de todo el album.

Little Arthur Duncan - Live In Chicago (2000)

Little Arthur Duncan era un americano armonicista, cantante, compositor del estilo Chicago blues y el blues eléctrico. Nacido en Mississippi en 1934, se trasladó a Chicago en los primeros años '50 y ha sido uno de los pilares en los lados Sur y Oeste por décadas. Su primer instrumento fue la batería.

En 1950, con 16 años, se mudó a Chicago, Illinois, hizo amistad con Little Walter, y que durante un tiempo compartió una casa con Jimmy Reed y el propio Little Walter, quien ayudó a Duncan aprender los rudimentos de la armónica. Little Arthur era un miembro de los Backscratchers, y durante toda su vida de trabajo estuvo asociado con Earl Hooker, Twist Turner, Slim Illinois y Kreher Rick.

Encontró trabajo tocando su armónica acompañando con Earl Hooker, John Brim y Jones Floyd. Anunciado y conocido desde ahora comúnmente como 'Little Arthur Duncan', toco principalmente en Chicago y sus alrededores, y construyó una reputación local sobre los años.  

En 1989, Duncan grabó su álbum debut bajo el nombre de "Bad Reputation" (King Blues), que capturó la excitación de los Juke Joints en las noches de los sábados. El registro debería haberlo hecho un éxito entre los renovadores del blues, pero antes de que pudiera sacar provecho, fue marginado por problemas dentales. Afortunadamente, él pudo tener una segunda oportunidad: Documentos Cannonball reeditó cuatro pistas de "Bad Reputation" en el 1998 a través de América: en la escena de Chicago y ese mismo año Duncan se compró un juego completo de dentaduras postizas. Desde entonces ha lanzado "Singin' With The Sun" (Delmark), que mostró su voz de tenor y luego el disco "Live In Chicago". 

Un excelente Concierto de este gran bluesman que falleció a los 74 años pero que dejó un legado imborrable en todos los amantes de los blues..

Este Live In Chicago fue grabado en vivo en el Dave's Famous BBQ, el 12 septiembre, en Chicago.

Eric Clapton & Duane Allman - Studio Jams (1970)

Derek and the Dominos fue un supergrupo de blues rock formado en la primavera de 1970, por el guitarrista y cantante Eric Clapton, el teclista Bobby Whitlock, el bajista Carl Radle y el batería Jim Gordon, que habían participado junto a Clapton en Delaney, Bonnie & Friends.

Cuando llevaban unos días de la grabación de las sesiones del álbum, Tom Dowd, que también estaba produciendo para The Allman Brothers Band su álbum Idlewild South, invitó a Clapton a asistir a uno de sus conciertos en Miami, siendo la primera vez que Clapton escuchaba a Duane Allman tocar en directo. Después de varias horas de grabación en el estudio, la banda fue al concierto, sentándose en las primeras filas junto a Dowd, que recuerda:

Duane estaba en medio de un solo de guitarra; abre los ojos y mira abajo, con mirada fija, deja de tocar. Dickey Betts sigue tocando, pensando que a Duane se le había roto una cuerda o algo similar. Entonces, Dickey mira hacia abajo, ve a Eric, y le da la espalda. Así fue su primer encuentro.

Al día siguiente, el 27 de agosto de 1970, Duane llegó a los Estudios Criteria convirtiéndose inmediatamente en amigo de Clapton; Dowd dice que su facilidad para entablar amistad fue instantánea, intercambiándose las guitarras y tocando juntos. Después de estas jams Clapton invitó a Duane Allman a unirse a la banda. De esta amista salio este increíble disco, con un audio excelente y unas jams digno de las mejores criticas.

Frank Frost & Sam Carr - The Last Of The Jelly Roll King (2007)

Nacio bajo el nombre de Frank Otis Frost en Auvernia, en el condado de Jackson, Arkansas. Fue uno de los armonicistas más importantes de su generación en la música Delta blues de América.

Frost comenzó su carrera musical a una edad joven, aprendió a tocar el piano en la iglesia cuando era un niño, a la edad de 15 años. 

Se trasladó a San Louis, Missouri, a los 18 años, donde se convirtió en un guitarrista. Frost comenzó a viajar con el batería Sam Carr y el padre de Carr, Robert Nighthawk. Poco después de la gira, realizo una nueva gira con Sonny Boy Williamson II, con el que aprendió a tocar la armónica durante varios años.

Mientras tocaba con el guitarrista Big Jack Johnson, Frost atrajo el interés del productor Sam Phillips, fundador de Sun Records. Algunas grabaciones que siguieron a esto fueron "Hey Boss Man" y "My Back Scratcher". 

A finales de 1970, Frost fue re-descubierto por un entusiasta del blues, Michael Frank, que comenzó a lanzar álbumes en su "Erwing Music Company" del trio. Que para entonces ya tenia el nombre de "The Jelly Roll Kings", tomado de una de sus propias canciones "Hey Boss Man". 

En los últimos años, la salud de Frank Frost se deterioro, sin embargo, él continuó jugando hasta cuatro días antes de su muerte apareciendo con Carr en el King Biscuit Blues. Murió a consecuencia de un paro cardíaco en Helena, Arkansas, en 1999, y está enterrado en el cementerio de la Magnolia, en Helena.

L.V. Banks - Let Me Be Your Teddy Bear (1994)

L.V. Banks fue un guitarrista, cantante y compositor estadounidense de Chicago de blues y soul blues. Él era un consumado y respetado guitarrista del los clubes en Chicago desde hace muchos años. Grabó solamente dos álbumes para Wolf Records.

L.V. Banks nació en Stringtown, Mississippi. Banks aprendió a tocar la guitarra y afrontó una banda de blues en Greenville, Mississippi. Sus influencias musicales incluyen a BB King, Howlin' Wolf y Little Milton. Banks se trasladó a San Louis, Missouri, antes de ser reclutado en el Ejército de los Estados Unidos. Después de haber terminado su deber con el ejercito a principios de 1960, se trasladó al área de Chicago, en Illinois. 

Jugó en la calle Maxwell y más tarde fue uno de los fijos durante más de tres décadas en locales y clubes de Chicago, sobre todo en el lado sur. A principios de 1990, Banks actuaria como mentor en los blues para el músico Marty Sammon.

El debut de L.V. Banks en su álbum, Let Me Be Your Teddy Bear, fue lanzado en junio de 1998, por la disquetera Wolf Records, John Primer tocó la guitarra en el álbum. Un segundo álbum, Rubí, fue puesto en libertad también por Wolf Records en el 2000, y ese fue su último álbum de la corta discografia de Bnaks.

Murió de insuficiencia cardíaca en el Hospital South Shore, en Chicago, en mayo de 2011, a la edad de 78 años. Su hijo Tre', está siguiendo la tradición de su padre como músico de blues con sede en Chicago.

Joanna Connor - Living On The Road (1993)

Joanna Connor nacio en Brooklyn, New York, Estados Unidos, es una cantante, compositora y guitarrista de blues de la escena de Chicago.

Connor nació en Brooklyn, Nueva York y creció en Worcester, Massachusetts. Después de trasladarse a Chicago en 1984, se ha situado en la escena del blues de Chicago compartiendo escenario con James Cotton, Junior Wells, Buddy Guy y A.C. Reed. En 1987 funda su propia banda y graba su primer álbum para Blind Pig Records en 1989.1

Lo que diferencia a Joanna Connor del resto de cantantes y guitarristas femeninas de blues es su habilidad en el instrumento. A pesar de que Connor se ha convertido en una consumada cantante con el tiempo, su primera dedicación fue tocar la guitarra, se nota en sus shows en vivo y en sus grabaciones.

Connor creció en la década de los 70 cuando el rock and roll estaba en la portada de todos los medios de comunicación. Se benefició de la gran colección de grabaciones de blues y jazz de su madre y de la asistencia a conciertos de gente como Taj Mahal, Bonnie Raitt, Ry Cooder y Buddy Guy.

Connor consiguió su primera guitarra a los siete años. Cuando tenía 16 años comenzó a cantar en bandas Worcester y cuando tenía 22 años, se trasladó a Chicago. Allí empezó con el grupo de Johnny Littlejohn, antes de ser requerida por Dion Payton para unirse a su grupo the 43 Street Blues Band. Actúa con Payton en el Festival de Blues de Chicago 1987. Poco después en ese mismo año ya estaba lista para fundar su propia banda.

Después de su álbum de debut Believe It!, en 1989 y para el sello Blind Pig, empezó a actuar regularmente con su banda en los clubes de Chicago y en clubes y festivales de todo los EE.UU., Canadá y Europa. Otros de sus álbumes incluyen Fight de 1992 por Blind Pig (el título de una canción Luther Allison), Living on the Road (1993) y Rock and Roll Gypsy (1995), estos dos últimos para el sello Ruf Records. Luego vino Slidetime para el sello Blind Pig, y fue seguido en 1998 por Nothing But The Blues, una grabación en vivo de un show de 1999 en Alemania, que apareció en el sello alemán Inakustik en 2001.

En 2002, Connor dejó Blind Pig Records y firmó un contrato de registro con la etiqueta independiente M.C. Records. Su primer lanzamiento para su nueva etiqueta, The Joanna Connor Band representa un intento de llegar a un público más convencional.

Connor se ha convertido en una compositora de temas de blues reconocida. Su talento como compositora está fuertemente influenciado por grandes figuras como Luther Allison.

145th Streett Deluxe Blues Band - 145th Street Deluxe Blues Band (2005)

Esta banda recién llegada desde el sur de California, la 145th Street Deluxe Blues Band es un quinteto poderoso, no sólo en la maestría musical, sino también como buenos escritores y considerados como verdaderas "bandas de blues".

San Diego, California, Octubre de 2005, la 145th Street Deluxe Blues Band surge en la escena del blues nacional con la grabación de su disco homónimo y auto-producido de 10 pistas, de las cuales seis son originales de la banda. Como testimonio de la solidaridad y la unidad musical dentro de la 145th Street Deluxe Blues Band, los seis originales consisten en dos por el guitarrista Marc, dos por el bajista Rollin, uno por Steve el jugador vocalista / armónica, y el sexto es un crédito compartido entre Marc y Steve.

En septiembre de 2005, el álbum recibió una nominación a los Premios de Música de San Diego por "Mejor Álbum de Blues", la banda tomó tres meses para hacer el disco con un breve descanso para el nacimiento del primer hijo de Marc. En los tres meses permitió a la banda entrar en el alma y sentir de cada tema, tocando y explorando ritmos, claves, tiempos y estructuras de las canciones, la banda siente que fue capaz de pulir y capturar realmente su talento en este excelente álbum.

Su álbum debut incluye una generosa porción de material original mezclado con cuatro temas de la antigüedad. Su lectura de 1956 de Ray Charles, "Mary Ann", es a la vez emocionante y original con algunos cambios de ritmos y un buen trabajo del bajo por Rollin Rodgers. La banda cubre también un tema de Muddy Waters "Walking Through The Park" con estilo ardiente, con voz fuerte y con la harmonica de Steve Bulger.

145th Street es una banda de un gran potencial enérgico y experiencia musical, cada canción se toca con convicción, pasión, gusto y entusiasmo. El enfoque a la melancolía es actual y el deseo del amante del blues contemporáneo es satisfacerse con algo fresco y diferente.

Carey & Lurrie Bell - Gettin' Up Live (2007)

Carey Bell fue un músico estadounidense de blues, que tocaba la armónica al estilo del blues de Chicago. Bell tocaba la armónica (arpa) y el bajo para otros músicos de blues a finales de los años 1950, 1960 y principios de 1970 antes de embarcarse en una carrera en solitario. 

Además de sus propios álbumes, grabó como acompañante o artista como Earl Hooker, Robert Nighthawk, Lowell Fulson, Eddie Taylor, Louisiana Red, Jimmy Dawkins, así como un socio frecuente de los escenarios de chicago es su hijo, el guitarrista Lurrie Bell. Blues Revue llama a Carey Bell como "uno de los mejores armonicistas de Chicago". The Chicago Tribune dijo de Bell que es "un talento increíble en la tradición de Sonny Boy Williamson y Little Walter". 

Lurrie Bell nacido en Chicago, Illinois, es un guitarrista y cantante de blues americano y el hijo del famoso armonicista de blues Carey Bell. Lurrie Bell cogió la guitarra de su padre a la edad de cinco años y aprendió a tocar. Estaba dotado con claridad. Además, se crió con muchas de las leyendas del blues de Chicago a su alrededor. Eddie Taylor, Big Walter Horton, Eddie C. Campbell, Eddie Clearwater, Lovie Lee, Slim Sunnyland, Dawkins Jimmy y muchos más eran visitantes frecuentes a su casa. Todos ellos ayudaron a dar forma a la escuela y él en el blues.

A mediados de 1970, pasó a unirse a Koko Taylor's Blues Machine, y él estuvo de gira con la banda durante cuatro años. Hizo su debut discográfico en 1977, apareciendo en el álbum de su padre "Heartaches and Pain" y también con Eddie C. Campbell's "King of the Jungle". Fue en ese momento cuando formó The Sons of Blues, con músicos como Billy Branch en la armónica. 

Aunque la carrera de Bell parecía encaminarse en la dirección correcta, llamando la atención de los aficionados al blues de todo el mundo como un joven prodigio del blues, se enfrentó a problemas emocionales y el abuso de drogas durante muchos años, lo que lo mantuvo alejado de realizar su manera regular.

Comenzó una reaparición en 1995 con el álbum bien recibido "Mercurial Son", su primero de varios discos para la etiqueta Delmark. Una serie de álbumes siguió a partir de entonces, y él comenzó a actuar con mayor frecuencia en el club de Chicago y los circuitos de blues.



En 2006, con setenta años, el intérprete de armónica se reunió con su hijo, el guitarrista Lurrie Bell, para grabar este disco conjunto que incluye cuatro dúos grabados en su casa y ocho temas con grupo eléctrico grabados en vivo en dos locales de Chicago

"Este disco es a la vez un monumento apropiado a Carey Bell y un testimonio del poder de la supervivencia personificada por Lurrie y el blues que lleva en su corazón."

Luther Snake Boy Johnson - Lonesome In My Bedroom (1975)

Sus apodos fueron varios, “Georgia Boy”, “Creepin’ Snake”, “Snake Boy”, “Georgia-Boy Snake” y “Snake Mouth“, precedidos del nombre Luther aunque verdaderamente se llamaba Lucius Brinson Johnson. Nació en la pequeña aldea de Davidsboro en Georgia, el 30 de agosto de 1934. Su padre tocaba slide y él echó los dientes escuchando a los guitarristas locales cuando cantaban en grupos de gospel los domingos en la iglesia, y tocaban blues los viernes y los sábados. Su madre le regalo por Navidades su mi primera guitarra. Entonces dejO de recoger algodón y oía hablar de Muddy.

Mi ambición era tocar con Muddy y mis sueños por fín se han cumplido, contaría estando ya en Chicago. Aprendió a tocar la guitarra de modo autodidacta. En los años 60 llegó a la ciudad del viento trabajando en ocasiones con Elmore James, Howlin’ Wolf y Junior Wells. Grabaría como Little Luther algunos singles que son rarezas, para Checker “Twirl / Eenie Meenie Minie Moe” y para Tarx “Doggin’ Me / Automatic Baby” para acabar uniéndose en 1966 a la banda de Muddy Waters, y haciéndose al principio cargo del bajo justo cuando Jimmy Lee Morris dejaba el grupo para volver a su trabajo en la fábrica. 

Las aspiraciones de “Snake Boy” eran ocuparse de la guitarra, algo que conseguía cuando Sammy Lawhorn se encontraba demasiado borracho o Pee Wee Madison estaba cabreado con el grupo. Sus maneras en el escenario eran tan "excitantes" que Muddy a veces mantenía a tres guitarras a la vez.

El sello Spivey, que había fundado Victoria Spivey en Nueva York junto con Len Kunstadt, grabaría al grupo de Muddy Waters para dos LPs titulados “The Bluesmen of the Muddy Waters Chicago Blues Band” en 1966 y ““The Bluesmen of the Muddy Waters Chicago Blues Band Volume 2” en 1968. En el primero había dos canciones en las que la guitarra y voz solistas fueron de Snake Boy, “Creepin’ Snake” y “Born In Georgia”, mientras que en el segundo disco figuraría como solista en “Been Hurt”. Y en esas canciones se descubren sus maneras con la guitarra que a muchos nos ha cautivado, notas precisas con dos o tres subidas vibrantes que te encogen como un directo al mentón. 

Cuando se encargó definitivamente de la guitarra, Lawrence Sonny Wimberley asumió las funciones de bajista coincidiendo con el regreso de S P Leary para su estancia más larga en el grupo; cuando Leary estaba muy borracho entonces Snake tocaba la batería y Muddy la guitarra. Su discografía en esos años como sideman es bastante significativa. En 1966 y con la blues band de Waters, estarían acompañando a Big Mama Thorton en San Francisco para el disco publicado por Arhoolie, a John Lee Hooker en el seudo directo “Live At The Cafe Au-Go-Go” y a Otis Spann en “The Blues Is Where It’s At”. 

En 1967 Bob Messinger, el manager de Muddy, metió al grupo en el estudio de Alan Douglas que tenía un pequeño sello con su mismo apellido para quien también había grabado Hendrix. Como Muddy tenía contrato con Chess le hicieron figurar como productor. Se grabaron unas 20 canciones que dieron lugar a dos discos, “Chicken Shack” y “Mud In Your Ear” disco en el que sería la voz solista en “Long Distance Call” tema que lo comienza del mismo modo en que acaba. Anteriormente a estas sesiones participaría en otro disco de Spann “The Bottom of The Blues” y en unas sesiones informales en acústico en Montreal grabadas por Michael Nuremberg y que se publicarían como “Muddy Waters & Friends”. 

En el mes de febrero de 1968 la banda de Waters llegó a Nueva York. Estaba buscando un armonicista y Snake Boy le habló sobre un chico blanco a quien habían conocido en un show un par de días antes y que se había presentado en el camerino con un amigo. Se llamaba Paul Oscher. Le hicieron la prueba y Muddy quedó muy convencido de las capacidades del jovencito que tenía 18 años recién cumplidos. Después de haber escuchado el sonido grasiento de la armónica, Johnson exclamó "Tiene tono el hijo puta", expresión bastante habitual en el vocabulario de Snake Boy. 

En 1968 viajarían por Europa habiendo sido recogidas en LP algunas de las actuaciones: un concierto en un programa de la BBC, un directo en París y la aparición en el festival de Montreux. También tendría una nueva colaboración con Spann para el disco “Cryin’ Time”. Bob Margolin ya empezaba a ser conocido para Muddy Waters aunque entraría oficialmente en la banda al relevar a Sammy Lawhorn a principios de los 70. Margolin conoció a Johnson y recordaba de él que hacía canciones interminables de Wilson Pickett "Don't Knock My Love" u originales del soul como "Give My Check" o "Pull Out Your False Theeth, Baby, I Want To Suck on Your Gums". 

Johnson abandonaría a Muddy Waters en 1970 y se establecería por su cuenta en Boston montando varias bandas, rodeándose de músicos de la escena bostoniana como el armonicista “Chicago” Bob Nelson (apodo que le había puesto Muddy que era muy dado a esa faceta, como el de “Georgia Boy“ a Johnson debido a que siempre estaba hablando de que en cuanto tuviera dinero iría a Georgia a visitar a su madre), aunque su grupo más duradero, con el que más se compenetró y con el que grabó dos discos fue el formado por Tony Cagnina a la armónica, “Killer” Carter al bajo y el guitarra Mark “Frisco” Evangelos del cual se cuenta oficiosamente que Muddy quiso contratarlo y éste se negó por lo que Margolin fue entonces el elegido. 

En 1972 grabaría en Francia con el pianista Sonny Thompson, Emmett Sutton al bajo, Bill Warren a la batería y Dusty Brown a la armónica, el LP “Born In Georgia”, demostrando su versatilidad en tres canciones en acústico y a dueto con la slide de Johnny Shines. En reciprocidad, colaboró en tres temas del disco de Shines “Chicago Blues Festival 1972” grabado también en Francia. “On The Road Again” sería una continuidad del primero, registrado los meses de noviembre y diciembre de ese mismo año también con Shines con una guitarra amenazante, vehemente y profunda a medio camino entre Waters y Hooker. Y en 1975, “They Call Me The Pop Corn Man” para Black&Blue, en París, con piezas un tanto sobrecogedoras como “Lonesome In My Bedroom” acompañado de una banda estelar, con músicos como Lonnie Brooks, Dave Myers, Willie Mabon o Fred Below. 

En Boston su banda de referencia se deshizo por problemas de salud de Frisco y Johnson y de regreso a la normalidad reemprendería su actividad musical con nuevos miembros como Mark Baker a la guitar y Chris Stovall Brown a la armónica. Sin embargo el 18 de marzo de 1976 falleció a causa de un cáncer en Boston, cuando aún no había cumplido los 42 años.

Eddie Burns - Detroit (1993)

Eddie "Guitar" Burns nació en Belzoni, Mississippi, creció en la pequeña ciudad de Dublín, cerca de Clarksdale, donde conoció a los artistas de blues más populares de los años 30 y 40 por escuchar sus registros en el club de su abuelo. Sus favoritos eran, y se mantuvo, el cantante y armonicista John Lee "Sonny Boy" Williamson y la cantante y guitarrista de Mississippi, Tommy McClennan. 

Conocido también como Big Daddy, Little Eddie o Big Ed, fue uno de los máximos exponentes del sonido de Detroit, guitarrista, armonicista, cantante y compositor de blues. Siempre se le ha considerado el segundo mejor instrumentista tras el gran John Lee Hooker. Su hermano es Jimmy Burns, también músico de blues, quien reside en Chicago. Colaboró en el álbum de Eddie llamado “Snake Eyes” de 2002.

Criado por sus abuelos, fue autodidacta e influenciado por Sonny Boy Williamson I y Big Bill Broonzy , se trasladó a Detroit en 1948. Debutó tocando la armónica en 1948 en el tema “Notoriety Woman” acompañado a la guitarra por John T. Smith. En 1953 sacó el tema "Hello Miss Jessie Lee" para DeLuxe Records. De 1954 a 1957 estuvo grabando para Checker records las canciones "Biscuit Baking Mama" y "Treat Me Like I Treat You".

Al parecer, John Lee Hooker les oyó una noche volviendo a casa, cuando Eddie y John T. tocaban en una fiesta. Llamó a la puerta, entró y acabó tocando con ellos unos temas. Después invitó a Burns a compartir una sesión con él tocando la armónica. Se entendieron perfectamente y al final acabó acompañándole también con la guitarra.

Con los nombres de Big Daddy, Eddie Little, o Ed Big, estuvo tocando por varios clubs de Detroit pero tuvo que completar sus ingresos trabajando de mecánico. En sus primeros años no tuvo una gran producción y estuvo tocando tanto blues como R&B a medida que avanzaban los sesenta en el sello de Harvey Fuqua's. Con Harvey Records grabó "Orange Driver" y "Hard Hearted Woman (1961), "The Thing To Do" (1961), "Mean and evil (baby)" (1962) y "(Don't Be) Messing With My Bread" (1962). También sacó en 1965 con Von records las canciones  "Wig Wearin' Woman" y  "I Am Leaving".  

En 1972 Burns realizó una gira por toda Europa y grabó su primer álbum para Action, “Bottle Up & Go” en Londres, Inglaterra. A mediados de los setenta sacó otro Lp titulado Detroit Blackbottom (1975 Big Bear Records) y estuvo tocando en la formación 'American Blues Legends'. A finales de los ochenta editó otro álbum llamado “Detroit” (1989 Blue Suit records). En febrero de 1992, Burns apareció junto a Jack Owens, Bud Spires, y Lonnie Pitchford en la séptima edición del Nueva York Blues Festival. En 1994 le otorgaron el premio Michigan Heritage Award.

Durante la década de los años 2000 recibió varios premios musicales y vieron la luz trabajos discográficos como “Snake Eyes” (2002 Delmark Records) y “Second Degree Burns (2005 Blue Suit).

Eddie Burns y John Lee Hooker se convirtieron en grandes amigos cuando se conocieron en 1948, y se mantuvo así hasta que Hooker falleció recientemente. Burns respaldado a Hooker en Chess Records en 1965, jugando en clásicos The Real Folk Blues Hook. Eddie Burns voz quejumbrosa, gimiendo armónica, y por supuesto con la mano de la guitarra remontan a la época dorada del blues de Detroit de hace medio siglo. Burns, quien al igual que sus compañeros se crió en Mississippi, es ahora la última de las leyendas de la posguerra de Detroit.